Jil Sander vuelve a dejar su marca…por tercera vez

El 24 de octubre se dio a conocer la noticia que la diseñadora alemana vuelve a abandonar Jil Sander, la marca que creó en 1968. Esto deja a la empresa en una situación de inestabilidad y desconcierto sobre su futuro


A tan sólo dos temporadas de su regreso a las pasarelas, la diseñadora alemana Jil Sander vuelve a abandonar su cargo como directora creativa su marca. La noticia sorprendió a la industria, ya que es la tercera vez que Sander toma esta decisión. Según medios como Women’s Wear Daily la causa de la renuncia se debe a problemas personales relacionados son su pareja.

Si bien esta razón es entendible, no se puede dejar de pensar en cuál será el destino de la marca que ya a sufrido turbulencias en su historia. Lanzada en 1968, Jil Sander obtuvo gran éxito a finales de la década del 80, cuando el minimalismo estalló en el mundo de la moda. Sin embargo, en 1999 la diseñadora abandonó la marca luego que fuera vendida al grupo Prada. Tres años después regresó y tan solo después de tres temporadas, volvió a dejar su empresa. Fue en 2005 cuando Raf Simons tomó el mando de Jil Sander, desarrollando una estética muy fuerte. Cuando Simons dejó su cargo para ocupar el puesto de director creativo en Dior, Sander volvió a estar a cargo en febrero del 2012.

Las tres colecciones presentadas hasta su renuncia tuvieron buenas críticas, la identidad de Jil había sabido adaptarse a la nueva década, manteniendo la estética minimalista y arquitectural que la caracteriza fresca y sofisticada. Las buenas críticas no fueron suficientes y, como señala WWD, la marca corre con una gran desventaja: los elevados precios relacionados con los materiales de alta calidad usados. Estos precios, no le permiten competir con marcas de estética similar como Céline.

Además de las desventajas en cuanto a los precios, la repentina partida de Sander deja una mala imagen de toda la empresa frente a la industria. El desconcierto debido a la falta de un director creativo ponen a Jil Sander en una situación complicada. La posibilidad de que la diseñadora decida volver a ocupar el cargo en algún momento ya no es una buena predicción, sino una señal de inestabilidad y crisis.

Tancrède de Lalun, director general de la tienda de departamentos Printemps señaló a WWD que los sucesivos cambios de diseñador representan un momento difícil en la empresa. Lalun agregó que “lleva casi dos años para que cualquiera cambio de estrategia de resultados en los consumidores. La industria trabaja con efectos a largo plazo, entonces tener estas turbulencias en tan poco tiempo no ayuda a la estrategia y a crear una relación de fidelidad con los clientes. Lo que podemos esperar para la marca es que encuentren una estrategia y que se apeguen a ella.” Por lo visto, el deseo de los compradores y empresarios es que Sander se mantenga alejada de su marca y no desee volver a comandarla en un futuro cercano.

La inestabilidad de la marca pone en jaque a la marca, que se encuentra en un momento crítico. Sin diseñador y sin un rumbo claro, ¿qué se espera para Jil Sander? Por ahora el equipo de diseñadores de la marca se encargará del diseño de la nueva colección. Pero, ¿cuánto tiempo podrá sobrevivir la firma sin un director creativo sin caer en el olvido? Desde su creación la marca ha tenido una imagen muy fuerte, determinada por el diseñador al mando. Tanto Jil Sander como Raf Simons supieron implantar su estética personal, marcando importantes momentos en la historia de la moda. Según medios especializados, corre el rumor que Gabriele Colangelo, un diseñador italiano, ocupará el cargo principal. Colangelo trabajó para Versace y Roberto Cavalli y, actualmente tiene su propia marca. Si el rumor es cierto, la marca ya tiene el sucesor designado, solo queda esperar a ver los resutados. Y esperar que Jil Sander no decida regresar (y abandonar) la marca inesperadamente.

¿La moda está de moda?

Recientemente se observa el apogeo de la moda en Argentina. Múltiples diseñadores conviven, cada uno con su estética particular y clientes interesados. Sin embargo, ¿es esto sólo una tendencia?

¿Es el auge de la moda en Buenos aires una tendencia más o realmente hay un interés por el diseño? En tan solo 20 años, desde que nació la carrera de Diseño de Indumentaria en la Universidad de Buenos Aires, se viene observando un aumento en deseo de consumir y estudiar moda. Actualmente hay una importante oferta de carreras relacionadas con la industria, que cuentan con estudiantes interesados en dedicarse a este rubro tan novedoso e inexplorado. Marketing de Moda y Comunicación de Moda dictadas en la Universidad de Palermo y la Modern American School of Design son algunos ejemplos de la especialización en la industria. Pero, ¿por qué se dio este fenómeno tan repentino?

La rapidez con las que viajan las noticias hacen que el deseo por tener la novedad sea inmediato. Ya no hace falta esperar un mes o dos hasta que salga la revista con las últimas tendencias, podemos vivirlas en el momento a través de una pantalla. Las semanas de la moda más importantes se transmiten en vivo y en directo y, el análisis sobre los desfiles presentados es inmediato. Pero no sólo la llegada de las nuevas colecciones es rápida: redes sociales como Twitter o Instagram permiten que la trasmisión de la información sea rápida y de fácil acceso. Ya no hace falta ser un periodista o fotógrafo profesionales para transmitir información correcta y verídica. De esta manera, todos podemos acceder a lo último. Y también lo queremos.

El interés por el diseño no va sólo de la mano de los expertos, hay un deseo general por tener novedad y variedad en las manos. Así, marcas locales han comenzado a desarrollar estilos y productos que nada tienen que envidiar a las propuestas internacionales. Desde diseñadores de autor que tienen una estética muy particular, hasta nuevas marcas que se relacionan más con lo comercial, todas forman parte del boom de la moda nacional. Otra herramienta que facilita el desarrollo y promoción de las nuevas propuestas son las plataformas de venta online, que permiten la llegada de productos al interior del país.

Además de los diseñadores y las herramientas usadas para darse a conocer, también se observa un aumento de los eventos relacionados con la moda en nuestro país. No sólo en Buenos Aires, todas las provincias están incentivando el desarrollo de esta área. En la capital, casi todas las semanas encontramos lanzamientos, desfiles y otros eventos relacionados con distintas marcas. Alejándose de Palermo, conocido como polo de la moda porteña, los acontecimientos suceden en nuevas locaciones, como museos, teatros o mismo en la calle.

Entonces, ¿podemos decir que este fenómeno por la moda no es pasajero? Si bien todavía queda mucho por mejorar, el interés está presente de parte de muchas personas. Difícilmente el proceso sea rápido, pero si se desarrolla una apropiada industria textil y se facilita el contacto con el exterior, Argentina podría pasar a ser una capital de diseño. El talento y creatividad están presentes y esta tendencia está camino a convertirse en un clásico.

El espectacular adiós de Marc Jacobs

En completa oscuridad el reloj marcaba las 9:59 am. Cuando llegaron las 10 el salón se iluminó lentamente y el reloj comenzó a correr en sentido contrario. La tenue luz dejó ver un set espectacular: una fuente, un carrousel, ascensores, un pasillo de hotel y escaleras mecánicas, todo teñido de negro. ¿Objetos familiares? Sí, el último desfile de Marc Jacobs para Louis Vuitton fue una sombría celebración de su carrera de 16 años en la casa francesa.

“Para la showgirl en todos nosotros”, anunciaba Jacobs en el comunicado de prensa sobre la colección. En el mismo, dedicaba esta colección a todas las mujeres que lo influenciaron a lo largo de su carrera:Kate Moss, Chanel, Miuccia Prada, Lady Gaga, Edith Piaf y Anna Wintour, entre otras.

En la colección la referencia a las showgirls se vio en los enormes tocados de plumas y en la ornamentación de algunas piezas. Transparencias, redes, cristales y plumas fueron los elementos elegidos para la temporada primavera/ verano de Vuitton. La sensualidad, glamour y lujo de estas piezas se contrastaron con botas chatas y los jeans bordados o con apliques en encaje. Como señala Nicole Phelps en la reseña para Style.com, el uso de chatas y jeans puede ser un guiño a Estados Unidos, dado el deseo del diseñador de enfocarse en su línea, basada en Nueva York.

La música clásica marcaba el espectacular dramatismo, mientras las modelos bajaban ascensores, caminaban alrededor del carrousel y la fuente, volvían a subir al hotel y luego bajaban por las escaleras mecánicas. Como en un sueño surrealista, el desfile parecía y ser eterno, lo que permitió ver los detalles de las exquisitas piezas, inspiradas en el arte decorativo parisino.

Cuando terminó de pasar la última modelo, Edie Cambell, encargada de abrir el desfile, volvió a salir en su atuendo provocativo. Completamente desnuda, solamente pintada con la tipografía diseñada por Stephen Sprouse para Vuitton, y encadenada, se podría decir que representó una metáfora por la eterna relación de Jacobs tendrá con la marca francesa. Luego de que todas las modelos salieran en un espectacular final, Marc Jacobs saludó emocionado, marcando el fin de una etapa en el mundo de la moda.

Espíritu deportivo

Las semanas de la moda adelantan para el próximo verano una fuerte inspiración en el deporte. La tendencia, que venía conformándose desde hace unas temporadas, toma fuerza y se asienta en el mundo de la moda. Los materiales característicos del deporte como redes y neoprene, se combinaron con telas de altísima calidad. El factor atlético se resaltó en las siluetas sporty que cada marca combinó con la inspiración elegida.

La semana de la moda de Nueva York introdujo esta tendencia. Tommy Hilfiger y Alexander Wang fueron algunos diseñadores que adaptaron lo deportivo a sus estéticas tan singulares. Hilfiger tomó como inspiración California: el surf y el skate fueron los deportes elegidos por el diseñador americano. El neoprene fue la estrella del desfile que se adaptó a varias tipologías, apuntadas a una mujer urbana. Lo más llamativo de la colección de Hilfiger fueron los pantalones, faldas y shorts con el doblés característico de los trajes de neoprene.

Por otra parte, la colección de Alexander Wang tuvo una fuerte inspiración en la década del 90: los pantalones y faldas con tiros híper bajos y la logo manía fueron un punto fuerte de la colección. El sportswear se vio en los pantalones y shorts anchos, característicos de la escena hip hop de esa década.

En Londres los pasteles y siluetas más femeninas y modernas se destacaron. Dentro de estas tendencias, algunos diseñadores incorporaron la tendencia deportiva a sus diseños. Uno de los que más se destacó fue Erdem, caracterizado por sus siluetas suaves y trabajos florales. Para la colección primavera/verano 2014, el diseñador se aventuró y dejó los pasteles de lado, resultando en una colección monocromática. Inspirada en estudiantes, esta colección presentó una gran variedad de tipologías, entre las cuales se encontró el conjunto deportivo, que poco deporte exige. Íntegramente blanco, las clásicas chaquetas y pantalón de ejercicio se transformaron con un delicado encaje blanco.

En Milán se destacó la colección de Gucci que combinó a la perfección lujo, glamour y deporte. Las siluetas holgadas se combinaron con detalles en red y géneros como la seda y tejidos con lúrex. Además de la inspiración deportiva, se vieron algunas siluetas tomadas de los kimonos. Junto con las estampas estilo art noveau, la colección primavera/verano 2014 de Gucci fue una de las más interesantes de la temporada.

Prada eligió combinar polos opuestos. Pieles, bordados y sedas convivieron junto a siluetas y géneros deportivos. Con el feminismo como bandera, la colección de Miuccia Prada combinó arte con lujo y deporte. El elemento atlético se vio en las polainas inspiradas en medias de fútbol y faldas y cuellos realizados con este material. Los zapatos también tomaron un espíritu deportivo, un híbrido entre zapatillas y sandalias conformaron el calzado de Prada.

Hasta ahora, en los desfiles parisinos, el deporte incorporó textiles novedosos y refinados. En la colección de Balenciaga, esta tendencia se vio en el conjunto de top y short deportivos confeccionados con un género tejido, similar al tweed. Por otro lado, Dries Van Noten, tomó la silueta relajada de una musculosa y la adaptó a la inspiración en las artes decorativas, vista en las texturas doradas, tomadas del arte bizantino y otomano.

Además de estas colecciones, dos presentaciones se destacaron por llevar el concepto deportivo al máximo. La colección de Stella McCarney para Adidas fue una de ellas. Las prendas fueron presentadas en su situación de uso: nadadoras sincronizadas mostraron los trajes de baño dentro de un tanque de agua, en una cinta corredora y deportistas dieron a conocer los conjuntos en acción.

Rick Owens presentó su colección primavera/verano 2014 con alto impacto. Inspirado en el stepping, un estilo de danza que combina el step dancing, cheerleading y movimientos militares, Owens convocó a un equipo de este deporte para mostrar la colección. Los drapeados y las siluetas envolventes características del diseñador se adaptaron para el energético baile. En tonos neutrales, las prendas de Owens combinaron deporte, fluidez y fuerza. Ajustadas para permitir el mayor movimiento, las 40 bailarinas arengaron al público, resultando en una presentación única que quedará grabada en la historia de la moda.

Si bien todavía quedan algunos días de la semana de la moda parisina, podemos ver que el deporte está para quedarse. La comodidad sin dejar de lado modernidad, femineidad y lujo, son una necesidad de la mujer actual que se encuentra en constante movimiento.

Cuando el arte se relaciona con la moda

Arte y moda, moda y arte. Ambas áreas se codean continuamente y las asociaciones entre artistas y diseñadores son un recurso muy usado en el mundo del diseño. ¿Pero dónde está la diferencia entre cada combinación? Según mi punto de vista, el arte y la moda tienen que ver más con el valor artístico de las prendas y no tanto con la funcionalidad de las mismas. La transmisión del mensaje del artista es prioridad y la indumentaria creada e intervenida se transforma en una obra de arte. En cambio, cuando la mente creativa es un diseñador, la funcionalidad reina y el arte acompaña.

Obsesión Infinita de Yayoi Kusama, la muestra hit del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, es una demostración de la relación entre el arte y la moda. Yayoi Kusama es una artista japonesa nacida en 1929 en Japón. En la década del 60 se mudó a Nueva York, donde desarrolló una parte crucial de su carrera artística. Dentro de un movimiento anti bélico, de libertad sexual, igualdad y amor libre, Kusama transmite esta situación en sus obras, que se mezclan con la obsesión de la artista por los colores y las formas. De la época de la artista en nueva York datan las piezas conocidas como “Acumulaciones”, un conjunto de formaciones fálicas de algodón rellenas. Estas piezas fueron aplicadas a todos los objetos de la vida cotidiana, incluida la indumentaria. Las primeras intervenciones en prendas y accesorios fueron un inicio de lo que más tarde desarrollaría Yayoi.

La guerra de Vietman fue un momento crucial en la obra de la japonesa. El avance del movimiento hippie, la filosofía de liberación sexual y la lucha contra la guerra, llevaron a la artista a desarrollar obras relacionadas con mostrar el cuerpo de otra manera. En este momento es donde Yayoi Kusama comienza a realizar con más frecuencia prendas. La estética vanguardista y experimental, llevaron a Kusama al foco de atención en la escena neoyorkina y, abrió una tienda llamada Kusama Corner dentro de Bloomingdale’s. Allí se podían encontrar los vestidos para dos personas (un reclamo a favor de la igualdad de género y el matrimonio homosexual), pantalones traslúcidos y vestidos intervenidos que dejaban ver el busto de la mujer. Con un fuerte reclamo y trasfondo artístico Kusama gozó de una enorme popularidad por sus prendas, que eran usadas por el jet set americano de la época. Además del éxito en Estados Unidos, la artista japonesa realizó desfiles en Italia y Holanda.

La experimentación morfológica y textil de Yayoi Kusama puede verse como los inicios del avant-grade japonés que más tarde sería desarrollado por Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto. La deformación del cuerpo y la intervención de los materiales recuerdan a los vanguardistas japoneses, quienes tuvieron su época de éxito en la década del 80. Tomando a Kawakabo, ella juega con el límite entre lo que podemos considerar arte o moda, sus diseños se caracterizan por la experimentación y la generación de nuevas formas y siluetas, dejando un poco de lado la funcionalidad que caracteriza al diseño. Un claro ejemplo de moda y arte es la colaboración de Louis Vuitton con Yayoi Kusama, lanzada el año pasado. En la colección la obra de Kusama se adapta a los diseños de Vuitton, creando una alianza donde se podía ver la impronta de la japonesa, sin dejar de lado el objetivo comercial y funcional de Vuitton.

Finalmente, la moda y el arte funcionan como una relación que depende del punto de vista de su creador y qué sentido le quiere dar a lo que genera. Si bien estamos más acostumbrados a que la moda tome elementos artísticos, con Kusama podemos ver que la indumentaria también puede ser un medio expresivo para artistas, que encuentran allí un objeto donde plasmar su identidad. En otras palabras, el arte puede funcionar como la inspiración para un diseñador y, la indumentaria puede inspirar a un artista. Todos conviven en un mundo creativo, donde lo que cambia es el objetivo y sentido que se le quiere dar a la obra.

La mirada puesta en Nueva York

La New York Fashion Week fue la encargada de dar largada a las semanas de la moda en las capitales más importantes del mundo. Anticipando el próximo verano, diseñadores que se adaptan al gusto de todas las mujeres estarán presentando sus colecciones hasta el 12 de septiembre.
En la primera fecha de uno de los eventos más importantes del año, se presentaron dos marcas que vienen captando la atención de la prensa internacional: Honor y Creatures of the Wind. La primera es la favorita de la actriz Zosia Mamet, Shoshanna de la serie Girls, quien ha usado esta marca en varios eventos.
Siguiendo la tendencia que venimos observando hace unos años, los colores pastel fueron los elegidos por la diseñadora Giovanna Randall. Por otro lado, las siluetas reminiscentes de la década del 50 y 60, definen una mujer ultra femenina, casi aniñada. Otro punto fuerte de desfile de Honor fueron los detalles en las texturas y estampas que jugaron con la superposición de motivos florales y encajes, llegando a una bella abstracción y nueva interpretación del clásico de las temporadas más calurosas. Además, la colección tuvo como inspiración a Wednesday Addams, una referencia que se vio en los estructurados cuellos blancos, dando un toque de rigidez a las siluetas tan femeninas.

Otros diseñadores que captan la atención de la prensa son el dúo de Creatures of the Wind. La colección bautizada como “Hail Hyperborea”, el paraíso griego donde el sol brilla todo el día y la sus habitantes son inmortales, presentó siluetas rectas, rígidas en la parte de encima y más sueltas debajo. Los colores principales fueron el colorado y el celeste, que se contrastaron con tonos de dorado y mostaza, rosa empolvado. En esta colección podemos ver el fuerte de Creatures of the Wind, los bloques de color y el juego con las proporciones. Mostrando una mujer femenina, muy distinta a la de Honor, la marca estadounidense logró una colección coherente y moderna.


















Por otro lado, esta edición de la New York Fashion Week tendrá presencia argentina en las pasarelas. Los diseñadores que tendrán la oportunidad de presentar sus colecciones son: Agostina Bianchi, Marcelo Giacobbe, Daniela Sartori, Tenaz, Fabián Zitta y Mariana Dappiano, quienes mostrarán los diseños de la colección Primavera/Verano 2014. Si bien algunos diseñadores como Zitta y Dappiano ya estuvieron en la capital de la moda anteriormente presentando sus diseños, para los nuevos talentos como Giacobbe es una experiencia nueva. "La gente cree que al armar un desfile uno tiene la idea clara de lo que va a ser el resultado, pero con el tiempo descubrí que no, que es un sentimiento que vas siguiendo, una imagen, es mucho más sensorial que mental", señaló el joven diseñador a un medio local.

Si bien no es la primera vez que se organiza, este evento tiene la misión de dar a conocer los talentos nacionales al mundo, posicionando el país como un nicho de diseño de autor reconocido internacionalmente. La presentación de los diseñadores argentinos es hoy, 6 de septiembre, a las 8 PM de Argentina. Los desfiles se podrán ver online por http://newyork.mbfashionweek.com/live.

Parecían un dúo inseparable pero el destino dijo lo contrario. Luego de estar junto a ella durante el lanzamiento de sus dos primeros discos, el estilista Nicola Formichetti dejó su cargo como estilista personal de Lady Gaga. La noticia, que impactó en el mundo de la moda, llegó cerca del lanzamiento del cuarto disco de la cantante “Artpop”. Formichetti, quien actualmente es el director artístico de la marca Diesel, declaró que no podía seguir el ritmo de los 12 cambios diarios que exigía la excéntrica cantante. Ahora el mando de vestir a Lady Gaga lo tendrá Brandon Maxwell, antiguo asistente de Nicola.

Esta noticia sorprende, ya que llega cerca del lanzamiento del cuarto disco de la cantante, “ARTPOP”. Después de estar un tiempo lejos de las cámaras debido a una operación en la cadera, Lady Gaga vuelve a los escenarios con una estética mucho más limpia y minimalista comparada con el estilo estrafalario y provocativo al que nos tenía acostumbrados. Si antes la pregunta era ¿qué se va a poner de extraño Lady Gaga? ahora se transforma en ¿qué diseñador está usando?

En sus últimas apariciones, la cantante se mostró llevando los últimos diseños de casas como Balenciaga, Calvin Klein y Alexander McQueen, que se caracterizan por su estilo sofisticado y elegante. Además de sus conjuntos, Gaga parece haber dejado de lado las coloridas pelucas que llevaba en sus apariciones diarias. La cantante sostiene su cambio de estilo en "El argumento detrás de 'ARTPOP' reside en que cada persona tiene que acometer cambios para seguir vigente, que el arte y la música pop son dos ámbitos que están en constante evolución. Esa idea la he aplicado siempre a mi vida, ya que no me siento definida por un solo estilismo o un peinado concreto. Lo que quiero expresar es que no soy ningún icono, ya que puedo encarnarlos a todos. No me pongo límites”.

Si bien la cantante ha justificado su cambio de esa manera, también podemos pensar que el rotundo cambio de imagen se debe a querer alejarse de sus pares, como Katy Perry, Miley Cyrus o Rihanna, que siguen llamando la atención por sus elecciones a la hora de vestir. Así como Gaga fue la impulsora de la extravagancia que llevan hoy las estrellas pop, puede ser que genere un cambio y, en poco tiempo, veremos a sus pares con prendas similares a las de la cantante.

En la competencia que caracteriza al mundo de la música pop, sin duda que la que se diferencia es la que más llama la atención. Y Lady Gaga lo ha logrado de nuevo. Con sus sobrios conjuntos, maquillaje y pelucas más naturales, la cantante no hace otra cosa que generar misterio en la prensa. Parece que todos se preguntarán qué está planeando, cuál será su próximo paso. ¿Su nueva imagen que parece transparente ocultará algo? ¿Una vez que se lance el disco habrá un nuevo cambio de imagen? Todas esas preguntas sólo tendrán su respuesta en la mente de Gaga, quien decidirá si continúa con este estilismo diferente a como la conocemos o si cambiará. Una cosa es segura, la cantante seguirá llamando la atención por sus elecciones y seguirá generando expectativa y polémica.